玛莎·琼沃斯：绘画是属于身体的语言

▲玛莎·琼沃斯，《猿猴》，2021年，布面纸本油画

于“玛莎·琼沃斯”展览现场，龙美术馆

©Martha Jungwirth，摄影：Shaunley

图片来源：Thaddaeus Ropac画廊

2月1日至4月13日，奥地利国宝级艺术家玛莎·琼沃斯在中国的首次个展在龙美术馆开幕。此次展览的21幅画作呈现了这位85岁的维也纳艺术家近几年的标志性创作，包括受艺术史和社会事件启发的两大系列。

在龙美术馆（西岸馆）的清水混凝土墙上，承托着玛莎·琼沃斯（Martha Jungwirth）的大幅画作，营造出一种原始而富有触感的氛围。

她的画作往往在大开幅的老旧纸板上展开，无数新鲜的笔触痕迹攫住观众的注意力，粗粝与流动并存，乍看似乎随机而混乱，却满溢生机。

展览的起点是艺术家格外重视的作品《猿猴》。它被置于入口——邀请我们以此进入她的绘画语言。

《猿猴》像是一张直觉式的速写，书法般顿挫的紫色笔触成功捕捉了猿猴疾速前行的动态。以具象事物为起点，玛莎似乎在做减法，逐笔剥离可辨识的线索，直到事物化为纯粹的感知痕迹，与画布上的大量留白相平衡。

▲ 玛莎·琼沃斯，《阿塔兰忒与希波墨涅斯二（致敬圭多·雷尼）》

2023年，布面纸本油画

©Martha Jungwirth，摄影：Ulrich Ghezzi

图片来源：Thaddaeus Ropac画廊

在1988年的宣言诗《我内心的猿猴》中，她自述创作方法：“回到旧大脑，回到感觉运动，回到口语之前，回到知觉之前，回到记忆之前，回到物体的突兀之前，回到欧几里得之前，其中直线在消失点相交，绘画时不思考。”她的创作不为叙事服务，而是捕捉纯粹的直觉流动。

实在的象与感知的象之间，哪一种更真实？玛莎笔下的真实，并非事物的轮廓，而是感知中的运动和痕迹。

▲圭多·雷尼，《阿塔兰忒和希波墨涅斯》

约1618—1619年，布面油画，马德里普拉多博物馆藏

图片来源：wikipedia

在龙美术馆二层，《阿塔兰忒与希波墨涅斯二（致敬圭多·雷尼）》这幅作品中，玛莎·琼沃斯以意大利巴洛克画家圭多·雷尼（Guido Reni，1575—1642）的作品为触发点，重构了古希腊神祇希波墨涅斯丢下金苹果诱惑阿塔兰忒弯腰捡拾，从而让这位善于疾走的女神输掉竞速比赛的瞬间。玛莎用以松节油稀释的红颜料薄薄涂抹，再以旋转的笔刷勾勒出一只苹果的滚动。

于是，苹果在空中跃过并接近地面的短暂时空片段，被凝结于一个画面。这才是我们真正“看见”的——一个运动中的形象，而非凝固的片段。当一只苹果掉落，在我们的视野中，它就是一团模糊而迅疾的红色影子，边缘露出一丝高光。玛莎的笔触释放出鲜活、原始的气息，使画面摆脱不容置疑的叙事，让我们得以一起站在艺术家所描述的“僵硬、束缚的现实”的解放对立面。

▲玛莎·琼沃斯

《无题：来自“弗朗西斯科·戈雅：羊头和肋骨静物”》系列

2023年，布面纸本油画，于“玛莎·琼沃斯”展览现场，龙美术馆

©Martha Jungwirth，摄影：Shaunley

图片来源：Thaddaeus Ropac画廊

西班牙画家弗朗西斯科·戈雅（Francisco Goya，1746—1828年）是玛莎最爱的艺术家之一。

在“艺术史”系列中，她回应了戈雅的《羊头和肋骨静物》。这三幅画作占据着龙美术馆最高旷的空间，渐进式地再现了对一块鲜宰肉的长时间凝视。在玛莎的笔触中，具象的肌理逐步剥离，直至提纯为无法再削减的符号，最终以极简的手势呼应戈雅对生存与死亡境遇的思考。这三副作品是深入玛莎创作语言的关键。

展览的末尾是受社会新闻启发的《鲁比马尔号》系列画作，记录了鲁比马尔号在红海被击沉的时刻。画作中，似乎船身一半已倾斜入海，海水翻涌，又似乎油污蔓延，逐渐浸透海域。

▲玛莎·琼沃斯，《鲁比马尔号》系列

2024年，布面纸本油画

于“玛莎·琼沃斯”展览现场，龙美术馆

©Martha Jungwirth，摄影：Shaunley

图片来源：Thaddaeus Ropac画廊

然而，放弃下意识的图像阐释，喷薄而出的不安与惊惶更为强烈。画面中的颜料痕迹极为丰富，简直由任何可抓取的事物构成，或许艺术家通过画纸上的身体经验，模拟了沉船瞬间试图抓取任何可能性的绝望。在现实拟像的“魔力”逐渐消退，集体叙事反复失效的当下，我们或许渴求一种潜入个体经验与感知的语言。

▲玛莎·琼沃斯，《鲁比马尔号》系列，2024年，布面纸本油画

于“玛莎·琼沃斯”展览现场，龙美术馆（西岸馆）上海

©Martha Jungwirth，摄影：Shaunley

图片来源：Thaddaeus Ropac画廊

我们的感知，如心灵地壳下的暗流，推动着思维和情感的走向，又在语言和概念形成之前狡黠地退场。为这一晦暗不明的共同境遇找到表达方式，是玛莎持续了半个多世纪的探索方向。她精力充沛地关注周遭发生的事件，从家用电器、身边的朋友、旅行风景，到社会新闻、艺术史皆可成为题材。纸和颜料构造的物理空间，是她精微的感知场，因而她将自己的画作描述为“日记本或地震仪”。

▲玛莎·琼沃斯在工作室，2024年

摄影：Markus Huber

她用身体经验去绘画，使画布成为感知的记录，而非视觉的复制。如果笔下的颜料块能与情感节奏同步递进，那就是最佳状态。于是也可想象，她对绘画材料流动性的追求。从早年的水彩、记账簿，到稀释的油彩与手工裁切的包装卡纸，她毫无偏见地使用各类材料，以寻找颜料斑点与画布之间的流动感与自发性。

这正是玛莎的核心探索——在感官知觉、绘画材料与身体经验的开放性中，触达了一种充满生命力的画面，绘画不是叙述，而是记忆、直觉、震颤的回声。玛莎的艺术实践，也让艺术家与所绘对象及观者之间的亲密互动成为可能。

到达工作室后，我首先会换上工作服。接着，如果前一天没有清洗笔刷，我会先处理我的笔刷。某些日子，我作画的速度很快，颜料斑点迅速在画布上铺展开来。

▲玛莎·琼沃斯的工作室

©Martha Jungwirth，摄影：Shawn Dell

图片来源：Thaddaeus Ropac gallery

而在另一些日子，我可能会站在画前，凝视最后一笔留下的痕迹，等待下一笔的出现。——玛莎·琼沃斯（Martha Jungwirth）

我们发现这次龙美术馆（西岸馆）的个展现场并未使用作品标签，你能谈谈做出这一决定的想法吗？

我真的不喜欢作品标签，我更喜欢一览无余地欣赏作品。如果你愿意，可以在入口处提供的作品列表中阅读标题和尺寸。

▲“玛莎·琼沃斯”展览现场，摄影：shaunley

你如何为这次个展挑选作品？其中是否有特别希望观众聚焦的作品？

此次展览的作品选自我近年来几个重要系列，其中部分作品曾在其他机构展出，而另一些则从未公开展示。

这些作品涵盖了多个创作主题——有些源自艺术史（如戈雅、马奈、德加、雷尼）的作品，有些受时事启发，比如鲁比马尔号（MV Rubymar）在紅海沉沒的事件，这一灵感来源于我在日报上看到的一张新闻照片。还有一部分作品与古希腊神话相关，如这次在龙美术馆（西岸馆）展出的《奥德赛》，是我长期以来反复描绘的重要母题。其他的作品则承载着我的个人经历和情感。

在你的作品中，某些形态像是记忆中的碎片，却从不被完整叙述。对你来说，这种模糊的状态是否比明确的图像更具吸引力？

我总是从某个主题出发，但现实对我来说只是一个托辞。我通过绘画来转化现实，一切始于我眼前所见。对我而言，最重要的是情感本身，以及绘画过程中发生的一切。我希望展现当我看到某些东西时，我的内心会发生怎样的变化，展现某个事物激发的情绪，并将其转化为画面上的印记。观众或许能辨识出某些具体形象，也可能无法确定，但这些作品所传达的情感是普遍性的。