大国小将｜以光为纸，科技为墨，虚实之间绘制未来图景

泱泱华夏，浩浩九州，有这样一群看似渺小的个体，他们默默耕耘在各自的行业里，或是以斧锯为笔，在木间勾勒诗意；或是在高岭土的细腻与火焰的炽热中，探寻泥与火的交融之美；或是在揉、搓、捏、掀间，塑造出世间万象；抑或是以光为墨，以科技为纸，在虚实之间绘制出梦幻的未来图景……

他们于喧嚣尘世中，保持内心的宁静，以匠心为笔，在时光的画卷上细细描绘，用日复一日的坚守与创新，诠释着自己对大国工匠的理解。

画了画了 Stone：

任何事做到细致 , 就是艺术

画了画了Stone（以下简称为Stone）被称为全网最“刑”的博主，其手绘旧版美钞相似度约70%，新版美钞相似度达95%以上。因为手绘作品太过逼真，引发过多地警方的关注与调侃，甚至曾有警察上门了解情况。

这些年来，Stone在质疑和非议中一步步前行。他不仅精准刻画出钞票上几乎无法分辨的细节与质感，更用画笔描绘出一个普通人对热爱与自我价值的倔强坚持与不懈追求。

Stone小时候是典型的留守儿童，父母外出打工，年幼的他在沈阳乡下由奶奶照看。周围的孩子年纪都比他大，没人愿意带他玩，所以他不得不寻找一种能够填补孤独的方式。

家中冬天糊窗用的贴纸，成了他最初的画布，鞋带串起来的纸片成了他的绘本。他临摹春联上的龙凤、福字中的牡丹，一笔又一笔地画出他对世界最原始的想象。

小学三年级，Stone被父母接到城市，面对城里孩子的优越条件，他受到了一些来自老师和同学的冷落。这一次，画画又“拉”了他一把。他当上了班里的宣传委员，黑板上满是他的作品，画画让他在新的环境中找到了自己的位置。

然而，初中后所遭受到的校园霸凌和青春期的叛逆让Stone的文化课成绩一落千丈。辍学后，Stone跟随父亲在工地上做些零碎的活儿，搬材料、跑腿、捡废铁，日子过得漫无目的。直到有一天，工地里有一位美院老师正在画效果图，他蹲在一旁看得痴迷，心想，“这也画得太好了”。父亲看出了他的兴趣，问他，“想回学校吗”，他嘴硬，说“不去”。父亲继续问，“如果能回学校学画画呢？”

这一次，他没有拒绝。

后来，他顺利从美术学校考进了一所大学的环境艺术设计系，并进入当地的一所设计院实习。可是在转正之时，单位面临改制，岗位缩减，他只能无奈地离开，开始做各种兼职来维持生计，“发传单、做促销、在KTV打杂……什么都干过。”直到偶然的一次机会，他听说航空公司在招空乘，便跟着同学一起去面试。“那会儿我就想，先去试试，试不上我再回沈阳。”经过一年的培训，他顺利通过，开始了全新的生活，并且一飞就是4年。直到疫情来袭，航班骤减，Stone被迫长时间居家隔离。无所事事的日子里，他决定把自己平日里画画的过程拍成视频，分享出去。虽然视频的数据并不理想，但账号也在Stone的坚持下慢慢积累了一两万粉丝。

有一天，他偶然在闲鱼上刷到有人在美元上画画，一张画着海绵宝宝或派大星的美金竟然能卖到三四百块钱。Stone心里想：“这也行？”于是他找来一张美元，把涂鸦的创作过程发到网上，没想到这条视频竟然意外地获得了很高的流量。

起初只是想通过卖二创纸币赚点零花钱，但随着关注度不断攀升，他开始认真思考如何把这件事做得更好。从最初的美元涂鸦，到后来对各国纸币的精细临摹，Stone逐渐将创作从简单的趣味二创，转向了对纸币艺术的极致追求。他反复研究纸币上的细节与防伪纹理，甚至把富兰克林的头像画了两百多遍，只为精确还原每一道线条、每一个阴影。Stone说：“很多人都问我有没有画美金的教程，我想说，这件事只有多练。”

但很多时候付出和收获不成正比。尽管粉丝数量逐渐增长，Stone的收入却是零。“那时候真是没钱了，连盒饭都吃不起，差点去送外卖”。就在他最困难的时候，一个营销号跑来说想要剪辑发布一个有关他的视频，Stone起初并不在意，甚至自嘲说，“我这号都没流量了，你还剪什么？”结果没想到，营销号剪辑的视频突然爆火，来了一大批营销号的转发和跟进，导致短短一个星期内，Stone的粉丝数从20万暴涨到100多万 , 速度快得让他都有些措手不及。

流量带来了商务，2023年年初，Stone接到了第一笔商单，广告费4000块钱。Stone记得，当时拿到钱的第一件事就是买了一大桶炸鸡，“馋太久了，就想奖励下自己。”但和喜悦交织在一起的，是流量带来的嘲讽和质疑。当时一家报社对Stone进行了采访。他满怀期待地等待报道的发布，可第二天，当他翻开报道时，映入眼帘的却是满页的讽刺。

“这种人怎么还能上采访？”

“美院门口随便抓个人都比他画得好。”

看着这些评论，Stone的心一下沉到了谷底。为了得到更多的认可，Stone萌生了加入美术协会的想法，他想着，“如果能得到官方认可，负面评价能少一点儿”。可现实再次给了他沉重一击。他多次尝试融入这些圈子，结果迎来的却是更冷漠的反馈。“你画的这些，根本上不了台面”，“你的作品算不上艺术，不伦不类”。

一次次的冷眼和拒绝让Stone心灰意冷。失望之后，Stone想：“艺术是不能被定义的，如果被定义它就不是艺术。既然进不了他们的圈子，那我就做自己的圈子。”他收起对外界认可的渴望，开始疯狂临摹世界各国的纸币——美金、日元、韩元、英镑……他把广告费全砸在设备和材料上，学雕刻、学凹版印刷，不断精进自己的技术。

在把世界上的主流货币都临摹过后，他开始着手创作自己的原创钞券，希望能够呈现出更具创意与内涵的艺术表达。他的第一个原创系列，便是以四大名著为灵感设计的一整套文化纸币。为了创作出更有故事感和细节感的作品，Stone花了整整半年时间，把名著重新读了一遍，提炼出最具代表性的元素，再融入到设计中。让他欣慰的是，这次原创系列得到了粉丝们的喜爱和认可，“以前不画美金就没流量，不画外币也没人看。现在大家能接受我融入一些创意在其中了。”在钱币系列之外，Stone也一直在创作自己热爱的传统文化系列作品。他曾经倾注半年心血临摹《清明上河图》，画到三米多时，他满怀期待地发布了一个进度视频，本以为能得到关注，结果却扑了个空。“画了半年，流量老次了，根本没人看。”虽然受到打击，Stone却没有停下手中的画笔。他继续临摹那些流失海外的国宝：《女史箴图》、云肩、嘉庆皇帝的龙袍……他用自己的方式，把那些散落在世界各地的文物和被历史尘封的故事重新带回大众视野。Stone不想刻意强调自己肩上的责任感，他觉得，粉丝越多，关注度越高，自己需要做的事情也应该更多，他说：“这就是一个互联网博主应该做的事。”

做博主以来，Stone一直在高强度地学习和创作，一天都没休息过。他希望用实实在在的努力和持续的成长去激励和影响更多人。新的一年，Stone希望每一条视频都能带给大家像第一次刷到他作品时那样的惊喜与新鲜感。他不断打磨每一幅作品，也在这条路上，持续超越自己。

大嘎子：

指间的全息宇宙

一段外国博主制作全息照片的视频，给当时尚在上海某医疗公司做科研开发的大嘎子一方全新的宇宙。

全息摄影，是一种把物体的三维光场记录在底片上面的一种照相方式。在美国罗德岛设计学院毕业的大嘎子，一直对具有时间维度的设计有着特别的偏好，而全息摄影的形态与呈现，无疑会带给人超越空间的奇幻感。无论是全息摄影、划痕全息、流麻全息，听上去科技感十足的艺术形式背后，是无数个通宵一刀一刻的钻研和雕琢。如今的大嘎子将自己全部的身心和经历都投入在这门艺术中，“我觉得我所做的在灵魂范畴上应该算是一个匠人。”

Q&A ：

N =《男人装》嘎 = 大嘎子

N：给我们简单介绍下你在社交媒体上分享的全息摄影这种艺术形式吧？

嘎：我应该是国内最开始在自媒体上做全息摄影作品的。全息摄影就是一种可以把物体的三维光场记录在底片上面的一种方式，我做的这个全息，是一种真正意义的全息，它记录了三维物体的光场信息，可以看见一个立体的图像。围绕全息摄影，我进行了很多的扩展，比如流麻是我对全息摄影在不同媒介上结合的一个探索。

N：你是通过什么契机开始从事全息摄影的呢？

嘎：因为我之前从事科研相关的工作，平时要看一些前沿的资讯，有一次就看到一个外国人在家做全息照片，我感觉像是一块琥珀或者化石，但实际上那只是一片很薄的介质，呈现的效果非常震撼，当时就很感兴趣，差了很多资料但却发现在网上买不到成品，就想着自己在家尝试一下能不能做出来。

N：最初花了多长时间来学习、上手这门艺术？

嘎：做全息摄影需要在比较暗的环境里，可以理解为胶片冲洗时需要在暗房里那样，所以最初我都是等太阳落山后在窗台上制作，每天都要做到夜里两三点，之前早上还要再爬起来上班，其实主要精力都放在了这件事上。

N：一般会怎么确定自己要创作的题材？

嘎：放在社交媒体上的更多是以二次元题材为主，因为无论是流麻、全息摄，还是光栅卡，都是二次元题材很好的表达载体，我自己对二次元也比较感兴趣。我也在想着去拓展一些表现的题材，但可能现阶段自己的技术还没有到特别好的阶段，还在努力中。

N：您觉得二次元文化和全息摄影相结合可以碰撞出哪些可能性？

嘎：虽然我是一个90后，但在我接触到的圈子以及成长环境中，喜欢二次元似乎并不是一件能够被大众认可的事情。但是在这个社交平台兴起的时代，你会发现这种喜爱是可以被认可、也是可以找到同类和回响的。像全息摄影，是一种有生命周期和时间概念的表现形式，和一些时间生命比较短暂的二次元题材结合起来，就会很有意思。

N：在技术水平达到一定要求之后，会想要尝试怎样的创作题材？

嘎：有很多。全息摄影有很多不同的材料，比如有一种全息摄影作品是从中间切两半之后，左右两边显示的图像是不一样的，我就在想能不能用这种材料制作一些可以体现两个人之间关系的作品，或者把人性的一些不同的变化体现在里面，总之想探索一些不一样的呈现。

N：您如何理解匠人精神？

嘎：匠人的精神我觉得是精湛于一项技艺或者艺术，他从工具、材料、理念上不断地探索，不断地挖掘，不断地创作新的作品。可能我现在还没有完全能达到“精湛”的水准，但是我的思想和追求是这个方向的，我觉得我从灵魂范畴上应该是一个匠人。

N：接下来对于自己的创作还有哪些目标想要完成？

嘎：首先是希望自己的技术可以更好地提升，可以完成那些想要创作的题材；其次作为一个视频创作者吧，也希望自己能把视频的质量再做提升，可以做一些和生活更加相关的作品，让全息摄影和大家的距离更近。

猫木匠：

亲手做，才觉得踏实

猫木匠从小便痴迷于国学与道家文化，特别向往道家所崇尚的那种随心所欲、与自然合一的生活方式。儿时的理想在当下变为了现实。多年前，他辞去上海互联网的工作跑到福建学做木工，如今他隐居在山林的木屋中，与猫为伴，过着简朴却不失丰盈的生活。在这里，生活的节奏完全由他自己决定：何时醒来、何时开始一天的工作、何时休息，全凭内心的感受。“这正是我想要的生活，简单、自由，被自己喜欢的事物包围。”他说道。

第一次冒出想当木匠的念头，是因为猫木匠买了一盏木头做的台灯，上面有一个十分突兀的塑料开关，他总是想把灯的开关改掉，于是一个声音便在脑海里反复出现，“如果我是一个木匠就好了。”彼时的他正在上海一家互联网公司做产品经理，行业势头和职业前景都十分可观，但心里一旦长了草，当下所做的工作就显得无趣起来。于是，他离开了公司，离开了上海。

他先是回了趟沈阳老家，然后一路南下，北京、河北、河南、甘肃、西藏、福建仙游……一路上寻访古老的木工匠人，结果总是悻悻而归——要么机械化的生产取代了手工技艺，要么工艺与他的审美相去甚远。直到爷爷告诉他，他们那个年代每个村子里都必有一位老木匠，所有的木工活儿都由他一人包揽。受到启发，猫木匠决定往更小的地方走，最终来到了海上丝绸之路的起点泉州。

泉州的古建筑修复市场依然繁荣，这里保留了大量的传统木匠技艺。经过多次探访，猫木匠终于联系到一位修庙的木工师傅，并向其表达了拜师意愿，但却被对方回绝。“因为之前他收的徒弟都是学一半就跑了，我又不是本地人，他更不愿意收我”。在“四顾茅庐”后，师父终于应允他过年后来家里做工。

真正成为学徒，意味着要经历常人难以想象的艰辛。猫木匠对此是有准备的，入门晚就要付出更多的努力。他形容自己那时“如饥似渴”，总想把每件事做到最好。磨刀，是师父交给猫木匠的第一项任务。看似简单，却是对学徒耐力与心性的真正考验。一把刀是否锋利，不在外观，而在下刀的瞬间。磨得不利，木屑粗糙、纹理凌乱；磨得锋利，刀锋划过木料，才能像水面般光滑如镜。最开始的几个月，他磨出的刀，师父连碰都不碰。终于在半年后，师父接过了他递来的刀子，说了句，“可以用了”。简单的四个字，是对他半年来默默坚持与努力的认可。

后来，猫木匠开始跟着师父参与建庙工作。从最基础的雕花边，到复杂的画板雕刻，难度一级一级地上升。等到整座庙宇完工，他感叹，有种“十年寒窗终不负”的感觉。自己曾雕刻的花瓣点缀着梁柱，打磨过的榫头紧密嵌合在斗拱之中，自己的付出和其他数十位匠人们的心血一起深深嵌入在庙宇的砖瓦梁柱之间。

跟随雕刻师父两年后，猫木匠在师父的引荐下逐渐接触到更多工匠，先后拜师学习了木工、上漆以及红木家具制作。师父们的教学方式沿袭着传统的手艺传承——没有详细的讲解和手把手的指导，更多是“看”和“练”。猫木匠回忆，师父最常对他说的一句话就是“这个不行”。至于哪里不对、怎么改，完全要靠自己反复琢磨、不断修正，“一次不行就两次，两次不行就一百次、一千次、一万次，一万次都不行那就练一百万次，练到已经有肌肉记忆了，那就是我们常说的功夫。”正是在这样高强度的练习中，猫木匠渐渐被磨砺成了一名真正的匠人。

出师之后，猫木匠在泉州的乡下租了一间木屋，偶尔跟着师父接些小活儿，更多的时间就一个人宅在家里专心钻研自己真正感兴趣的小玩意儿，用最原始的方式，与木头、工具和自己对话。

有时候，他会把给小猫勿一做玩具的过程用视频记录下来，然后发到网上。2022年冬奥会期间，猫木匠用木头精心制作了一个冰墩墩，按照往常一样拍摄剪辑发布到视频平台，没想到那条视频竟然一夜之间收获了几万的播放量和点赞。看着不断增长的点赞数和评论区里涌来的热情反馈，猫木匠有些惊讶，也有些欣喜。他意识到，如果用心制作视频，或许网络是一个让更多人了解传统工艺、感受匠心的途径。

和初学木工一样，做视频也都是要从零学起。拍摄、打光、剪辑、配乐，他像雕刻木头一样，一点点打磨着自己的视频。视频质量越来越高，粉丝数也在逐步增长，但猫木匠越来越觉得不满足，“每个视频只能展示我技能的一小部分，总觉得不过瘾，总有点遗憾。”他一直在蓄力，在视频中悄悄尝试和融入一些古法木工技艺，为了那个藏在心中已久的宏大计划。

在所有人都在拼流量、拼速度、追逐热点的时代，猫木匠反其道而行之。从2023年10月起，他彻底停更，整整一年没有发布任何视频。他悄无声息地从公众视野中消失，潜心投入到创作中，过上了与世隔绝的生活。直到2024年9月，他带着长达40分钟的视频，“传世系列”的第一集——越王勾践剑及剑鞘，“杀”了回来。

在多年前看纪录片时，猫木匠便被越王勾践剑剑鞘的故事吸引。人们常震惊于越王勾践剑的精美，却鲜有人知道这把剑能保存至今，还得益于一把黑漆剑鞘的保护。只不过，这把剑鞘在出土时因技术条件有限，没能得到妥善保存，如今只剩下一张模糊的黑白照片。

所以，在策划传世系列的时候，他第一个想到了这把剑鞘，“剑是青铜器，不是我的专长。但做剑鞘，从古至今，都是木匠的活儿。”

但猫木匠不想简单复刻那把剑鞘，他要做的，是在千年技艺的基础上，融入自己的理解，创造出一件属于当下的传世之作。他翻阅古籍，查阅了《天工开物》《考工记》《髹饰录》等古代工艺文献，精挑细选每一个环节中最顶尖的技法，并融入自己的理解。

出于这样的理念，在制作剑鞘时，猫木匠选择了最为繁复精细的27层生漆工艺，这是古代帝王御用器物才会采用的工艺标准。层层打磨、层层上漆，历经140多道工序，每一道工序都要求极致精准。为了追求极致，他使用了少女发丝制成的漆刷，因为只有这种柔韧而细腻的材质，才能涂出光滑如镜的漆面。

由于上漆的过程中，不能有任何一点儿瑕疵，所以猫木匠每天都要花费数小时仔细打扫工坊，以防猫毛或尘埃飘入漆面影响质感。每次拍摄时，他也毫不马虎，反复调试镜头角度、光线和画面细节。每天拍摄结束后，光是收拾工具和清洗刷子，就要耗费一个多小时。

猫木匠回忆，自己经常工作至深夜，甚至曾连续48小时不眠不休，却从未觉得疲惫。因为对他来说，这种看似枯燥的重复，正是他最享受的过程。

“工不厌细”，这是古人的信条，更是猫木匠的执着坚守。最终，那把剑鞘静静地呈现在光下，漆黑如墨、光亮如镜。

当40分钟的传世系列视频终于完成，猫木匠却无比忐忑，“大家都习惯看短视频，5秒，10秒，40分钟不知道有没有人爱看。”结果视频发布后，全网已经有2000万播放量，观众纷纷留言：“看哭了”“这才是真正的匠人精神”。猫木匠说，粉丝的鼓励和支持，给予了他极大的自信。“我个人主页上写，我想做打动人心的作品，我想我做到了。”

而令猫木匠印象最为深刻的评价来自师父。师父看完作品，沉默良久，只说了一句：“你做的这个东西，我做不了了。”猫木匠说，“我们古代有一句话叫作小者为工，大者为匠。如果只是机械地重复前人的工艺，没有自己的思考和风格，那只能叫木工，而无法成为真正的木匠。”正所谓匠心独运，这句简短而沉甸甸的话，正是师父给予他最高的认可。

视频中的另一条故事线，是猫木匠将自己学徒时期的经历，比作越王勾践的卧薪尝胆。两千多年前，越王勾践忍辱负重，终成霸业；而两千多年后，他以一位木匠的身份，步履坚定地走在传承匠艺的道路上。所以猫木匠觉得，在未来的某一天，他也会把这份工艺和理解，传递给下一代，让这门技艺继续在时光中生长，历久弥新。

蓝潜：

用泥土捕捉自然生命的形态

蓝潜形容自己像一座被鲨鱼环绕的孤岛，“鲨鱼是我，孤岛也是我”。从深海鲸鱼的骨骼到山野中遗落的化石，每一个自然的遗迹都在她心中化作创作的灵感。蓝潜的仿生陶瓷作品中蕴含着她对自然美的欣赏，也浸透着对地球环境被破坏的愤怒与悲伤。在她的掌心，泥土旋转、延展，自然的脉动在其中凝结成永恒的形态。

蓝潜的名字最近在热搜上出现。2024年底，她以化石修复设计师的身份受邀到建德参与化石挖掘工作，意外在一块不起眼的石头里挖掘出来了极其稀有的、来自两亿多年前的旋齿鲨化石。蓝潜记得，“当时在一块大家认为已经挖采完毕的区域，只有我一个人还在敲敲打打那些无人在意的小菊石，在我也快要离开的时候注意到了一块露出了一些小菊石皮壳的石头，它被卡在两块大石头的中间取不下来，但是脑子里只有一个念头：‘万一里面有什么东西呢？我得敲开看看。’”一锤又一锤，直到那个螺旋形的牙齿轮廓出现，她想起从化石猎人朋友那里听到的旋齿鲨传说，血液瞬间沸腾。

蓝潜从小就对自然充满了好奇和热爱。奶奶家门前的水杉林，从记事起就存在于那里。那些巨大的树干像大地的臂膀，盘根错节的根系是天然的游乐场。她会躺在林中的大石头上，看阳光穿过叶隙，透亮她皮肤下的红色血脉。

家人们也总是带着她亲近自然：奶奶领她上山拔药草，爷爷带她去小溪边抓鱼，妈妈会摘野果子给她尝鲜，爸爸则经常陪她爬山。她还会和村里的孩子们一起上树下水，摸螃蟹抓龙虾，或者捡拾被雨水冲刷出来的矿石。回家后，她会把那些有趣的小收获做成小盆栽或生态缸，赋予它们新的生命形式。

蓝潜真正理解自然的力量，是在10岁那年。在父母曾禁止踏足的密林中，她看到一片雷光劈中对面的山崖，白光里那些灰色的岩石夹着飘摇的树木火光向山下滚去，像是闪电开成了花。“这是年幼的我从未见过的景象，也是在那之后也再未见到过的神迹。”从那时起，她开始对自然心存敬畏，并更深地投入其中，探索它的美与不可预测性。

文字、摄影、画笔，蓝潜用不同的方式记录下自己所观察到的自然形态，包括她结合实际去幻想的古生物或是像奇美拉一样的怪兽。“想画什么就画什么，”她说，“我喜欢那种控制运用着不同色彩与线条，调和、过渡、分割、排列、重组，最终将我脑海中分散的景象或是眼前的物体变成画布上由我创造的具象事物。”

然而成年后的蓝潜，一度在应试的绘画集训中迷失，彼时绘画变成了一种机械的重复，“不停地画、画、画，但是画的都不是自己想画的，而是考试需要的。”她的精神在巨大的压力下崩溃，出现了严重的认知失调。画板变成了镣铐，她只想砸碎它。最终，她在填志愿时选择了景德镇陶瓷大学，渴望通过接触一种全新的创作方式来拯救自己。

蓝潜用“崩溃”来形容第一次接触陶泥的感觉，“因为我讨厌湿漉漉的东西沾到皮肤的感觉”。但渐渐的，她在拉胚中找到了新的乐趣。泥土的可塑性让她找到了释放内心的方式，而陶瓷烧制的不确定性，也让她学会接纳意外和失败，“失败于我而言不再是一个事件的结束和自我惩罚的开端，而是为了下一次的成功累计的经验。”

蓝潜的创作以“生命的形态”为主题，海洋是贯穿其中的核心元素，而蓝色则是她表达这一主题的常见色调。她将蓝色称之为“看得见的黑暗”，“从小我就对蓝色有一种奇妙的归属感，经常梦见自己漂浮在深海，那种感觉让我感到安心。”

她的作品最初源于对形体的模拟，逐渐将标本融入创作，赋予作品真实的触感与生命力。

蓝潜回忆道，“从第一次捧起一枚深海打捞起的鲸鱼脊椎骨，到握住自己挖掘出的菊石化石，再到翻阅一本上世纪关于化石的老书，这些跨越时间的生命痕迹通过阅读、触摸，甚至气味，像电流般充盈在我的四肢百骸。当我把菊石化石、鹦鹉螺和蜗牛壳并排放置，它们相似的精密构造让我第一次直观地感受到，这些标本不仅仅是漂亮的石头。它们背后不是 ‘神’ 的创造，而是一种超越时间与空间的公式，一种能够塑造出这个世界万物的规则。那一刻，我的脑海几乎快要爆炸了。”于是她意识到，自己真正热爱的或许并不是陶艺本身，而是生命力的捕捉与感知。泥土成为她表达这些感知的媒介，而每一件作品，都是她与自然的对话。在她的创作中，生命的形态被赋予某种神性，通过对称的构图与螺旋结构，呈现出一种宗教般的仪式感。正如她所说：“当我接收到的生命力满溢时，创作便随之而生。”

如今，蓝潜的生活依旧深嵌在自然之中。景德镇的春天和秋天很短暂，夏天和冬天比较漫长。天热的季节她便去寻找真菌，树蛙，和朋友去抓蝴蝶，看萤火虫和流星，入冬后就去摘果子，锥栗、八月瓜、九月黄……

她的工作室位于景德镇一座废弃的军工厂改造的艺术聚落里，由油罐厂改造而成，屋子被爬山虎包裹，屋前就是河流与森林。家中常有野生动物光顾——石龙子、雨蛙、角鸮，甚至偶尔闯进一条银环蛇。“住在我院子里大樟树上的凤头鹰好几次试图破窗进来抓我的鹦鹉，但是不得不承认它们毛茸茸的很可爱。”工作室有一个大大的落地窗，她喜欢躺在那里睡觉，“木质地板的气味在暖炉的烘烤下散发出一种充满安全感的气味，每天听着领角鸮的叫声在黑暗中睡去。”她身边的一切都令她着迷，并深深治愈着她。

蓝潜常将地球比作一颗发霉的苹果，承载着所有依赖它养分的生物，组成一个“大生命体”。她说：“我们似乎总是把衰老看作是种令人恐惧的生命走向消失的过程，但实际上早有公式设定了每一个种类的细胞作为物质资料进入一个新循环的期限。”蓝潜的作品，便是这种循环的呈现，她用泥土塑造生命的形态，用釉料的流动模拟自然的韵律，在每一件陶瓷中注入对生命与自然规律的深刻思考。正如蓝潜所言，“个体消亡，生命不息，直到这颗苹果的养分耗尽，消散在茫茫宇宙中”，她的作品也会成为时间流转中的一部分，承载着生命的律动与循环，印刻在自然与艺术的交融之中。