【氧气夜读】吴垚滔：19岁的“老灵魂”，用赤诚谱写时光的诗

他站在舞台上，像一株未经修剪的野草，歌词里藏着少年难解的苍茫。19岁的吴垚滔，以原创音乐人的身份闯入大众视野时，人们惊叹于他作品中的厚重感——那些关于时间、死亡与亲情的词句，像一把钝刀，在听众心上反复研磨。他的音乐不似盛夏的骤雨，却如深秋的溪流，冷冽中裹挟着生命的温度。

2016年，高一学生吴垚滔收到学姐递来的一首词。彼时的他尚未触碰过音乐创作的边界，却因一句“试试看”拿起吉他，写下人生第一首歌。三年后，这个自称“七月的星期七”的B站up主，在顶楼天台支起麦克风，身后是家乡小城的灯火。他唱《海街寺庙》，唱《暮野荒原》，歌声穿透钢筋水泥的缝隙，却鲜有人驻足。

直到《舞台2023》的舞台灯光亮起，这个“小地方来的少年”带着三首原创作品登场。初舞台的《暮野荒原》，以一句“小时候爸妈带我看过的胸口碎大石，长大后会明白大石碎胸口才是现实”让评委席上的Ella泪光闪烁。周深给出全场唯一的满分：“他的真诚，抵过所有技巧。”

《暮野荒原》：生命轮回中的双声部叙事

这首以爷爷生平为蓝本的歌，前半段的旋律沉入土地，是爷爷用皱纹写就的遗书。吴垚滔以近乎人类学田野记录的笔触，复刻老人焐热的地瓜、葬礼上翻飞的纸钱灰。当唱到 “你在遥远的天边过得好吗？不要再藏起地瓜给我吃啦。” ，生与死的界限如同田埂般模糊：作物明年还会发芽，土地的代谢法则远比都市的时钟慈悲。

后半段的鼓点突然加速，少年从坟茔旁直起身，跌进玻璃幕墙的倒影中。“大石碎胸口才是现实”的顿悟，不是卡夫卡式的荒诞寓言，而是基因里携带的生存密码。孙子的视角下，稻田被数据流冲刷成电子废土，祖辈“藏地瓜”的温情化作算法时代的生存策略。编曲中刻意设计的“错拍”，恰似 时代变化、生命更迭、城乡二元 对立的隐喻——人声游离于伴奏之外，血脉与时代在拔河，离乡者悬浮在故土与都市的夹缝中。

舞台烟雾托起少年躬身触摸地面的剪影，生死、城乡、新旧的界限皆成虚妄。乐评人惊叹他让说唱褪去街头的外衣，露出土地的原色。他曲中的村庄是祖辈们寂寞而勤劳地观察世界、思考人生的起点，艾略特的荒原此刻骤然坍缩成闽北丘陵 ——让我想起，最初的最初，我对世界和人生的认识，也是从外公生活的村庄开始。

吴垚滔用一首歌完成了对轮回的注解——我们都站在祖辈的肩上眺望未来，而墓碑的背面，永远刻着来时的路。

新写的旧歌：原创是写给时间的战书

在《舞台2023》的竞技修罗场，吴垚滔的坚持是少年的纯粹与天真。当其他选手用翻唱收割掌声，他偏要现写原创直面淘汰风险。一公舞台的《成·人》，诞生于闭关创作的四天四夜。他将自己与搭档徐子未关在排练室，用泡面与咖啡浇灌灵感。最终呈现上他设计出的“镜像”舞台：两人背对背吟唱 “一个想要穿上新衣，一个想要赤裸离去” ，灯光将他们的影子投射成十字路口的方向标。

三公舞台的《送别·城南旧事》，他借林海音笔下的城南旧事，嫁接当代少年的迷惘。舞台中央的背景大屏上浮现出文中细节的画面：年幼的我，病床上的父亲和落下的玉兰。“可时光流水，无问东西，人们正赶着别离”—— 结尾部分突然插入童声合唱，如同在钢铁森林中投下一枚童年弹珠。

这种后现代拼贴的设计，让观众看见海明威式的“重压下的优雅” ：越是赛制残酷，他越要用原创证明，音乐不是流水线上的快消品。观众席响起压抑的抽泣——那些被异乡拼搏碾碎的乡愁，也在此刻找到了泄洪口。

解构与重塑：时间褶皱里的代际对话

吴垚滔的创作总绕不开“时间的褶皱”。 在《暮野荒原》里，他写爷爷“等来世再换我照顾你”，《海街寺庙》里“我自诩一辈子都不会忘的眷恋，在念念不忘的岁月中找不见”。 时间早已将所有人推过楚河汉界，一面是想起仍能温暖胸口的旧时光，另一面却折射出「迟到的实感」。 “不道云烟不诉肠，悲歌唱晚送远乡”——这句被乐迷反复誊抄的歌词，恰是他创作母题的注解。从爷爷陪伴着的「暮野荒原」出发，一步一步走向拖着奶奶常去的「海街寺庙」，在学会离别与放不开的想念之间，这种跨越代际的凝视与深刻，让他的音乐成为一具精密的“情感沙漏”——祖辈的沉默如砂砾沉淀瓶底，孙辈的思念似流沙倾泻而下。

在巡演纪录片和采访中，他提及艺考时独居的出租屋——泛黄的墙皮、漏水的龙头、跨年夜街头的泡面，这些具象的孤独也最终都成了歌词里的钙质。细腻中催生出了独特的舞台美学。他把第一次巡演的主题定为“扬名”，坦言因为自己从小地方出来，也因为一路走来收获了许多支持，所以想要变得更好。在此之前他恰好发表了一首名为《扬名坊》的作品，取自故乡地名，他说这也是“给老家的情书”。