文 | 音乐先声
上周，国际唱片业协会（IFPI）发布了最新的《全球音乐报告2025》。
依然是好消息，全球录制音乐产业再度迎来增长，收入达到296亿美元，增幅为4.8%，实现连续第十年增长。
如IFPI首席执行官VICTORIA OAKLEY所说，尽管增长速度相比于近年来有所放缓，但仍然在全球经济的广泛领域中展现了音乐行业的强韧生命力，成为值得其他行业羡慕的增长标杆。
但不可回避的是，流媒体红利已经日渐接近饱和，实体唱片也遭遇重重挑战，掌握话语权的唱片公司也在悄然转型，音乐产业的下一个十年机会在哪？
流媒体放缓，实体受挫，墨西哥突围
先来看各个子版块的数据。
其中，流媒体收入首次突破了200亿美元大关，达到204亿美元，占全球录制音乐总收入的69%。特别是付费订阅流媒体收入，呈现出9.5%的增长，占全球录制音乐收入的51.2%以上，首次占比过半，付费成为产业增长的核心驱动力。
尽管广告支持的流媒体收入增速较为缓慢，仅为1.2%，但全球订阅用户数却从上一年的6.67亿增至7.52亿，增幅达到10.6%。
不过，从近十年的数据趋势来看，流媒体收入的增速放缓已成事实。
2015年，全球录制音乐产业实现了持续十年下滑后的强势回升，其中流媒体的42%增幅，一举带动产业复兴。但在2022年后，随着流媒体市场进入平台期，收入增速开始放缓。
市场研究机构MIDiA曾经预测，从2022年开始到2030年，流媒体收入的增幅将小于10%，未来流媒体的增长周期即或将进入新的阶段。
实体音乐方面，2024年全球实体音乐收入为48亿美元，较去年下降了3.1%，这一降幅与2023年的14.5%的强劲增长形成鲜明对比。从2018年左右，实体唱片收入就开始进入上下浮动的增长模式，尽管今年黑胶唱片销售增长了4.6%且连续第18年实现增长，但CD和VCD等收入分别下降了6.1%和15.5%，导致实体总收入下降了3.1%。
可以看到，多年来黑胶唱片的复兴、消费者需求的多样化、疫情的影响以及流媒体等因素的交织作用下，实体市场已出现分化。
艺人和专辑、单曲荣誉这块，Taylor Swift依然是大赢家，第五次成为IPFI年度最畅销全球唱片艺人，去年新专辑《THE TORTURED POETS DEPARTMENT》也登顶全球十大专辑，老歌《Cruel Summer》也登上了全球十大单曲。
同时，新兴乡村歌手Zach Bryan和歌手Sabrina Carpenter首次跻身全球唱片艺术家排行榜前10名，而Benson Boone、Teddy Swims等新兴艺人也首次登上全球十大单曲榜单，也体现了欧美乐坛的活力。
此外，2024年全球十大音乐市场分别为美国、日本、英国、德国、中国、法国、韩国、加拿大、巴西、墨西哥。
其中，墨西哥成功突破了澳大利亚保持30年的在榜记录，以15.6%的增速跻身全球前十。这反映了拉丁美洲的增长趋势，巴西以21.7%的增速成为全球增长最快的市场，也难怪各大唱片巨头都加进了在拉美市场的布局。
从地区来看，2024年，录制音乐收入在全球每个地区连续四年增长，其中中东和北非（MENA）以22.8%的增长率成为增长最快的地区；随后是撒哈拉以南非洲（+22.6%）以及拉丁美洲（+22.5%）。
而在全球58个市场中，仅有3个未能实现增长。美国依然稳居全球最大音乐市场，收入增长2.2%。但与2023年7.2%的增长相比，今年美国的增速显得相对疲软，远低于全球平均水平。
与此同时，全球第二大市场日本收入持平，第三和第四大市场分别是英国增长4.9%和德国增长4.1%；中国则以9.6%的增幅继续位居第五；韩国则出现了5.7%的下滑；其他市场中，法国增长了7.5%，
流媒体逐渐放缓，实体唱片挑战重重，未来的音乐市场可能将不再单纯依赖传统唱片公司和流媒体平台，而是向着更多元、分化的方向发展。
今天，唱片公司扮演什么角色？
当今的音乐产业中，唱片公司、厂牌培养音乐人或乐队的传统模式已经暴露出诸多矛盾和困境，如音乐圈资深经理人迟斌此前在微博上所说，其核心特征可概括为长周期、高风险、低回报、情感消耗。
对于厂牌、唱片公司来说，不仅风险高昂，而且最终可能导致商业上的失败与人际关系的裂痕。尤其是在面对不确定的市场和投资回报时，厂牌所承受的经济压力难以为继。
如今，唱片公司逐渐转向偏专业化服务的赋能平台。
一方面，在激烈的市场竞争与利润压力的双重作用下，唱片公司或厂牌愈发倾向于降低风险与投入，更愿意选择那些在社交媒体上拥有粉丝基础的艺术家，或者能接受更多繁琐条款合同的艺术家。音乐人的培养不再是从零开始的漫长旅程，而是更多聚焦于如何实现从1到100的进阶。
另一方面，越来越多的厂牌也意识到，“超级粉丝”将成为艺术家重新掌握话语权的核心策略。在艺人培养过程中，唱片公司也越来越注重挖掘粉丝经济，将艺人的个性化重点突出，延伸到作品之外的领域，如周边、社交媒体人设等。
另外，2023年，音乐行业引入了“全球本土化”（Glocalisation）这一新概念。随着全球化进程的推进，越来越多的唱片公司开始重视本土运营，同时加大对本土艺人的国际化推广力度，促进全球化的发展。
今年的IFPI报告的案例研究版块中，也印证了这三点策略。
比如案例中提到的西班牙最畅销的拉丁歌手Myke Towers，就是通过在SoundCloud上发布歌曲，开始了自己的职业生涯。2016年，Myke Towers发布了首张录音室专辑《El Final del Principio》后，在拉丁美洲积累了大量忠实粉丝，随后与华纳音乐拉丁美洲公司签约。
今年斩获第67届格莱美最佳新人奖的榜单黑马Chappell Roan，也是在被环球音乐旗下厂牌Island Records发掘后，采用以艺人为中心的合作方式，将她本有的亚文化圈层的小众粉丝群体迅速发展成全球瞩目的粉丝基础。
为此，Island Records还放弃了以往符合社交媒体病毒传播逻辑的“短平快”作品模式，而是遵循了Chappell Roan的个性化创作方向，如其代表作之一《Kaleidoscope》不仅帮助她与忠实粉丝建立了深厚的联系，还成功扩大了她的超级粉丝。
Island Records联合执行官Justin Eshak表示：“我们所做的每一个决定都是以粉丝的视角来考虑的。”
在内地市场，黄子弘凡作为索尼音乐娱乐的成功案例也出现在了报告中。
与全球市场一样，国内音乐市场在多样化的潮流中不断发展壮大。观众的品味逐渐成熟，逐步接受并热衷于从Hip Hop、EDM到R&B及流行音乐等各种风格的作品。
索尼音乐娱乐大中华区首席执行官陈国威指出，与黄子弘凡的合作，尤其体现在音乐风格的创新与融合上。他不仅能流利演绎普通话、英语与粤语歌曲，还能巧妙地将西方元素与本土风格结合，创造出独具特色的音乐作品。比如2024年，在Bilibili新年晚会上，黄子弘凡与美国乐队One Republic的联合演出，进一步彰显了唱片公司及其所属厂牌对艺人全球化发展潜力的支持。
同时，黄子弘凡团队也一直在研究如何利用社交媒体来提高粉丝的参与度，而得益于他Z世代粉丝的不断增加，黄子弘凡在去年短短一个月内，曾在微博上引发了超过36个热门话题，累计浏览量突破16亿次。在这一势头的基础上，去年索尼音乐还为黄子弘凡举办了五场巡回演唱会，观众人数超过10000人。
如果说唱片公司的职责始终是支持艺人实现其创作愿景，那在创作门槛被抹平的当下，还能为艺人做些什么？报告中也给出了答案。
唱片公司已经意识到，技术可以为粉丝体验带来巨大的改变，并提高公司为艺人提供支持的效率。比如环球音乐集团就已收到了600多份关于的人工智能创意用例提案，使艺人能够将他们的曲库扩展到新的语言或者场景，比如音乐疗愈、修复旧专辑，甚至纳入客户分析和互动营销活动，大大提高为艺人提供支持的有效性和效率。
比如去年，环球音乐已经开始实操，在与AI技术公司Soundlabs达成战略合作后，为美国老艺术家Brenda Lee 66年前的经典圣诞歌曲《Rocking Around the Christmas Tree》制作了西班牙语版本《Noche Buena y Navidad》，这不仅旨在拓展艺术作品的全球视野，也方便了在完全授权的前提下进行多样化的使用。
去年10月，索尼音乐和RCA Label Group UK合作开发了英国歌手Myles Smith在热门游戏《堡垒之夜》举办了虚拟演唱会。此外，索尼音乐团队与《堡垒之夜》、PlayStation还合作进行联合营销，助力艺人投入到最前沿的沉浸式体验中，以跟歌迷建立更个性化的联系。
索尼音乐集团全球数字业务总裁Dennls Kooker表示：“无论艺人想在这些创意空间里做什么，我们都能实现。”
可以看出，当下无论是将专辑作为游戏原声带，还是艺人为新游戏做宣传，都在不断推动着人们对虚拟世界的探索。AI、游戏、沉浸式体验，可能成为未来唱片公司音乐发行和推广的新趋势。
不难看出，唱片公司也在新形势下逐渐摆脱传统的艺人培养模式，更多扮演了资源的“整合者”和“调配者”。同时，这种转变也意味着艺术家的签约门槛变得愈加严苛。
下一个十年， 音乐产业的生存法则如何改写？
当前，全球音乐产业正处于技术驱动与内容重塑、法律博弈的关键交汇点，背后孕育着深远的机遇与挑战。技术变革正在成为新增长引擎，AI赋能音乐的生产与再创作，不仅激活了历史IP，还推动了本地内容的全球化，而挑战也不容忽视。
在今年伦敦的IFPI发布会上，索尼音乐娱乐全球数字业务总裁Dennis Kooker的一番话直指当下音乐行业当前的核心挑战。“全球音乐销售的增长虽然令人欣喜，但这份增长，建立在坚实的版权法之上。数字平台必须在提供音乐之前获得合法授权，这一点不容动摇。”
国际唱片业协会首席执行官Victoria Oakley在也报告中提到，生成式人工智能系统的开发者在未经权利人授权的情况下“摄取”受版权保护的音乐来训练他们的模型，这对人类的艺术创作构成了非常现实的威胁。
然而，越来越多的AI公司正在试图游说各国政府，在法律框架中为其训练模型开辟“例外通道”，希望通过所谓“文本与数据挖掘（TDM）例外”，以及扩大“合理使用”的定义，规避对创作者的授权义务。
今年1月，英国政府就向议会提交了一份《AI机遇行动》提案，建议改革TDM制度，将“默认使用”作为新标准，创作者若不希望作品被AI使用，需主动“选择退出”或“声明保留权利”。
这一提议激起了音乐界的强烈反对，包括Damon Albarn、Kate Bush在内的1000位艺术家联合发布了名为《Is This What We Want?》的无声专辑，象征性地表达他们的抗议。
三大唱片公司高层、英国议员也纷纷发声警告，认为如此做法无异于“让小偷进入你家，除非你在门上挂上明确的禁止盗窃的标志。”在艺术创造、技术变革与法律博弈的夹缝中，一个关键命题逐渐凸显：音乐行业的未来，究竟该围绕什么构建？
环球音乐集团CEO Lucian Grainge认为：“现在比以往任何时候都更重要的是，我们必须坚持‘以艺术家为中心’的原则，确保真正的创作者与支持他们的人获得应有的回报。”索尼音乐集团总裁Rob Stringer也强调，技术带来的收益不应只集中在少数平台手中，而应公平地回馈给音乐的创造者。
除了AI对版权边界的冲击，音乐行业还需应对层出不穷的盗版与虚假流量操作。一些不法平台利用技术手段窃取音乐内容，或通过“人工刷流”操纵数据、流量欺诈，试图在混乱中牟利，直接动摇了音乐流媒体平台的业务根基，整个行业的发展也将受到重创。
对此，唱片公司正采取更为强硬的法律行动。目前，从德国、巴西到加拿大，一批非法服务已经被迫关闭。这表明，只有整个音乐价值链齐心协力，才能有效打击欺诈行为，重塑行业信任。
因此，未来的音乐产业需要变得更加透明、开放和数字化，技术的快速进步与市场压力将迫使行业不断适应新的规则和模式，这也是下一个十年的挑战与机遇。
