时隔13年，中国建筑师刘家琨成为第二位荣获普利兹克建筑奖的中国人。这位扎根成都的创作者，作为一位朴素日常生活的颂扬者，用建筑书写着城市的集体记忆，也将本土设计淬炼为世界的语言。
普利兹克奖评审辞以“深刻的连贯性”来描述刘家琨的建筑哲学——他的作品既是个人与城市历史的叠印，也是对未来的预言。评审团指出，刘家琨“在现实和理想主义之间达到协调，将本地解决方案提升为普世愿景，并创造了一种语言来描述一个社会和环境公正的世界”。
这种“深度”不仅指向空间的纵深感，更暗含建筑师对土地脉络的敬畏：他以谦逊的姿态介入场地，让建筑如植物般从地域的土壤中延伸。
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若要读懂刘家琨，必先阅读成都，这里既是刘家琨的原点，也是他的作品集。
1999年，他在玉林街区的居民楼里创立事务所，26年间未曾迁离。从鹿野苑石刻博物馆混凝土的粗粝禅意，到西村大院的市井烟火，他的作品重塑着成都的肌理，而这座包容闲适的都市，也赋予他观察生活的独特视角：街道上的喧哗、社区里的龙门阵，都化作建筑中流动的呼吸。日常即神性，那些被忽视的平凡场景，在他的设计中被赋予仪式化的空间叙事。
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在急速膨胀的都市化浪潮中，刘家琨始终守护着“此时此地”的温度，真正的先锋性，或许就藏在对日常的凝视之中。
刘家琨喜欢逛工作室周边的玉林菜市场，那里是“活色生香的生活剧场”，空气中弥漫着松弛感。在他看来，这里更是城市生活的缩影——一种未被标准化浪潮吞噬的“野生城市切片”。
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当摩天楼竞赛逐渐退潮，中国城市开始重新审视玉林这样的街区，试图在快速城市化中打捞正在消逝的“人的尺度”。这种对日常性的执著，让刘家琨的建筑始终扎根于市井烟火，而非悬浮于形式主义的空中楼阁。
在参数化表皮与结构炫技主导建筑话语的时代，刘家琨选择了一条“反潮流”的道路。他以成都为实验室，对“建筑何为”这一问题给出了中国式的解答：将专业话语转化为可触摸的市民性，让每块砖都携带地域基因，每处空间都成为时代精神的容器。当全球建筑深陷审美范式与既定逻辑的撕扯，这位游走于城市间的建筑师证明，最适合当下的设计姿态或许就是倾听土地的心跳，让设计从市井烟火中自然生长。
他是最“接地气”的建筑师，也是将日常性与地域性融入建筑设计的实践者。刘家琨始终立足当下，因地制宜地处理空间与功能的关系，通过设计为我们呈现出一个全新的日常生活场景。
西村大院
过去的成都有“东穷北乱，南富西贵”的说法。地处城西的西村大院，最突出的特点不是“贵”，而是“旧”。在这个项目中，刘家琨最终达成了一种社区自然生长的“未完成感”和“成都感”，大院自由发展为成都人口中的“大院儿”，回归了日常生活的本意。
早在20世纪90年代末，刘家琨就提出了“低技策略”的建筑概念，即以简易可行的技术和材料来营造高品质的建筑。这种对基本材料和建造技术的强调，在西村大院的设计中得到了充分体现。西村大院是刘家琨对高密度城市公共空间的创新性回应。
项目以五层环形建筑围合出占地14万平方米的中央绿地，通过开放式的立体跑道、竹林庭院与下沉广场，打破了传统商业综合体的封闭性。建筑外立面采用未加修饰的清水混凝土，与周边老社区的低矮居民楼形成视觉呼应，甚至一度被误认为“烂尾楼”。然而，走进内部，却会发现一个多层次的市民生活剧场。
此处，以“反向规划”颠覆了常规设计逻辑——优先保留最大化的公共绿地，将商业功能沿街分布，形成“外实内虚”的空间格局。环形跑道串联起足球场、竹林茶座、艺术影院等多元场景，居民在此遛狗、跑步、聚餐，自发形成“社区自然生长的未完成感”。
延续其“低技策略”，西村大院以简易的混凝土框架与本地竹材为主材，摒弃装饰性表皮，强调结构与功能的诚实表达。这种“去设计化”手法使建筑成为市井生活的容器，而非凌驾于环境之上的标志物。通过西村大院，刘家琨不仅创造了一个物理空间，更塑造了一种与城市生活紧密相连的社区文化。
水井街酒坊遗址
作为中国首个活态白酒工业遗址博物馆，水井街酒坊遗址博物馆以明代古酒坊为核心，通过现代混凝土结构与再生砖技术，将酿酒工艺的古今脉络并置呈现，完成了一场跨越六百年的时空对话。
刘家琨在此项目中采用汶川地震废墟制成的“再生砖”作为主要建材。这种材料以建筑残骸为骨料、秸秆纤维为增强剂，既解决了地震废墟处理的难题，又以物理强度和经济性超越传统建材，更承载了灾后重建的精神隐喻——物质的“再生”与情感的“复苏”在此交融。
博物馆通过一系列混凝土结构围合原始木构建筑，形成古今工艺的并置对比。新建的双坡屋顶建筑以狭长天窗模拟传统酒窖的通风采光方式，阳光穿透屋顶洒下的光束，既复现了古代发酵窖池的物理环境，又与现代蒸馏装置的金属光泽形成视觉张力。
宽阔的庭院中，两层混凝土建筑以极简形态呼应遗址的沧桑质感，其内部展示的明清酒具、蒸馏装置与活态生产车间形成“生产-展示-体验”的闭环，使游客可直观观察从古法拌料到现代勾兑的全流程。
摒弃了传统博物馆的静态陈列模式，转而将其设计为持续运转的酿酒车间。遗址区内，明代窖池至今仍在酿造白酒，微生物菌群在时光中沉淀出独特风味；技艺厅内，酿酒师傅的操作与游客动线交织，空气中弥漫的酒香成为最生动的展陈元素。这种“活态化”设计不仅保护了文化遗产的原生语境，更使其演变为社区生活的活性节点——游客可通过调酒体验、品鉴互动，将历史感知转化为身体记忆。
鹿野苑石刻艺术博物馆
落成于2002年的鹿野苑石刻艺术博物馆，以佛教园林为灵感，将数百件石刻文物置于清水混凝土与自然景观交织的静谧空间中，成为自然与信仰的诗意容器。通过空间序列与材料的巧妙对话，传递出深邃的禅意。
建筑采用无窗密闭体量，通过天光缝隙与体量错动，将自然光转化为随时间流动的隐性展品，营造出“幽深飘然”的观展路径。路径沿“之”字形展开，串联起10个主题展区与4处露天庭院，形成收放交替的呼吸节奏。混凝土墙面与竹影、水庭构成动态框景，实现了传统园林“移步换景”的现代转译。
展墙以本地河卵石与混凝土混合浇筑，粗糙肌理与佛像的细腻雕琢形成鲜明对比，暗合“空即是色”的禅宗意境。清水混凝土墙面作为石质文物的背景，既凸显了文物的历史厚重感，又保持了空间的纯净与宁静。
在技术层面，刘家琨采用空心管材铺设地面与屋顶，既减轻了结构荷载，又提升了保温性能。砖墙内预埋管线，避免了管线外露对空间纯净感的破坏，体现了他对“隐性技术”的执着追求。这些细节设计不仅提升了建筑的功能性，也进一步强化了空间的整体性与精神性。
而博物馆也通过空间、材料与技术的精妙结合，成功地将佛教艺术与当代建筑理念融为一体，成为一座兼具功能性与精神性的建筑作品。
建筑应该揭示一些东西——它概括、凝练和展示地方的内在品质，它有能力塑造人类行为营造氛围，提供宁静和诗意的感觉，唤起同情心和仁爱，培养与每个人息息相关的社区意识。将日常性升华为公共记忆，刘家琨一直在探索如何通过建筑表达人与社会的深层联结，让建筑成为情感与思想的容器，让人在其中找到归属感，也感受到时间的流动与生命的厚度。
编辑｜Kiki
文字｜Fernanda Zhang
图片来源｜家琨建筑
